Bob Dylan - Highway 61 Revisited

Una vez mas nos encontramos para el deleite de nuestros oidos, en esta ocasion les voy a informar acerca de este excelente disco, clasico entre clasicos, perteneciente al señor Robert Zimmerman, o mejor conocido como Bob Dylan. Les recomiendo que antes de escuchar este disco, busquen el lugar mas comodo de su casa, atenuar la luz, servir una medida de cognac y encenderse un "señor" habano, pero para aquellos que no gusten de ambos pueden sustituirlo con lo que mas lo relaje para entonces, OJO que es solo para escuchar!!! para otros momentos intimos posteare a otro compositor....je.

Highway 61 Revisited es su sexto álbum de estudio y fue publicado por Columbia Records en 1965 pero es el primer álbum de Dylan en ser grabado de forma completa con una banda de rock, después de experimentar con nuevos sonidos en "Bringing It All Back Home".

Con éxitos como "Like a Rolling Stone" y "Ballad of a Thin Man", es considerado como uno de los mejores álbumes en la carrera del músico y uno de los más influyentes en la música contemporánea. El propio Dylan alguna vez dijo: "No voy a ser capaz de hacer un disco mejor que aquel... Highway 61 es demasiado bueno. Hay mucho material en él que yo mismo escucharía".

Highway 61 Revisited alcanzó el puesto #3 en las listas de Billboard y el #4 en el Reino Unido, mientras "Like a Rolling Stone" alcanzó el puesto #2 en las listas americanas y el #4 en las británicas. Asimismo, se sitúa en el número uno de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, elaborada por la revista musical Rolling Stone. Por su parte, Highway 61 Revisited figura en el puesto #4 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Highway 61, en español Autopista 61, también llamada "Blues Highway", se extiende desde Nueva Orleans, Louisiana, hasta Memphis, Tennessee, así como desde Iowa hasta la frontera con Canadá, pasando por Duluth, Minnesota, lugar de nacimiento de Dylan. Es frecuente su referencia en canciones de blues, notablemente en "61 Highway", de Mississippi Fred McDowell. Por su parte, Robert Johnson se ha referido al cruce entre la Autopista 61 y la 49 como el lugar en el que "vendió" su alma al diablo. Elvis Presley creció en un barrio construido en las cercanías del lugar, mientras que Martin Luther King, Jr. fue asesinado en la terraza de un motel cercano a la Autopista 61.
"Muchas personas importantes en la cultura americana cruzaron esa autopista y ese río", comentó Robert Shelton a la BBC. "Y en su juventud Dylan cruzó esa carretera. La autopista 61 es, creo, un símbolo de libertad, un símbolo de movimiento, de independencia y una oportunidad para largarse de una vida que no quería en Minnesota."

Antes de que Dylan grabara las canciones e incluso antes de componerlas, realizó una histórica aparición en el Newport Folk Festival, tocando dos sets, del cual el primero de ellos fue un set acústico. En el segundo set, Dylan se acompañó de una banda de blues eléctrica, con una mezcla de aplausos y abucheos por parte del público. Dylan abandonó el escenario tras interpretar tres canciones. Los abucheos procedían en su totalidad de seguidores de la música tradicional folk que criticaron a Dylan en el mismo momento en que se colgó la guitarra eléctrica. Otras fuentes señalan que las quejas se produjeron básicamente por el pobre sonido y por el corto set. Aún así, Dylan volvió a aparecer en el escenario para cantar dos canciones mejor recibidas que las anteriores, "It's All Over Now, Baby Blue" y "Mr. Tambourine Man". Tras la crítica suscitada por el set eléctrico, el nuevo estilo de Dylan provocó fuertes debates en torno a la música folk. Según Andy Gill, "los viejos folkies estaban demasiado ocupados cantando "The Times They Are a-Changin'" como para enterarse de que los tiempos en realidad habían cambiado".

Pueden comprobarlos uds mismos viendo la pelicula/documental de Martin Scorsese "No direction home".

Entre 1964 y 1965, Dylan escribió "Tarantula", una novela que no fue publicada hasta 1971. Al menos, un extracto del libro sirvió como fuente para componer una canción. Tal y como Dylan reconoció en 1966: "Me encontré a mí mismo escribiendo esta canción, esta historia, esta larga pieza de vómito de unas veinte páginas, y después tomé "Like A Rolling Stone"... Después de escribirla, no estaba interesado en escribir una novela".
El manuscrito original de veinte páginas ha sido descrito por su biógrafo Clinton Heylin como "una masa deforme de palabras cuya dirección es incierta." Después de ser reescrita en diez páginas, "no se llamaba de ninguna manera", recalcó Dylan, "sólo una cosa rítmica en papel, dirigido en alguna dirección que era honesta".
Cuando Dylan recuperó las fuerzas para grabar un nuevo álbum, él y Tom Wilson juntaron a cierto número de músicos para conformar una banda. Para la guitarra principal, Dylan reclutó a un viejo conocido, Mike Bloomfield. En 1965, era guitarrista principal en la banda de blues de Paul Butterfield, valorada por los críticos dentro del género del blues. Dylan contactó con Bloomfield y le invitó a Woodstock, Nueva York. "Por entonces no tenía una funda para guardar la guitarra", reconoció Bloomfield, "sólo mi Fender Telecaster. Y Bob me llamó y me citó en la casa donde vivía... me dio esas canciones, "Like A Rolling Stone", y todos esos temas de Highway 61 Revisited, y me dijo: "No quiero que toques ese plomo estilo B.B. King, nada de estereotipos del blues, quiero que toques cualquier otra cosa." De modo que tonteamos y finalmente toqué lo que quería".
Días después, el 15 de junio de 1965, Dylan organizó una sesión de grabación en el estudio A de Columbia en Nueva York. De forma adicional, Dylan y Wilson reclutaron al pianista Frank Owens, al bajista Russ Savakus y al batería Bobby Gregg. También presente estuvo Al Kooper, un joven músico invitado por Wilson para observar.
Dylan y su banda grabaron tres canciones: una nueva composición titulada "Phantom Engineer" (posteriormente regrabada y publicada con el nombre de "It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry"), "Sitting on a Barbed Wire Fence" y "Like a Rolling Stone". Se desempeñaron varios intentos de grabar "Phantom Engineer" y "Sitting on a Barbed Wire Fence" antes de que Dylan centrara su atención en "Like a Rolling Stone". Tras falsos comienzos, Dylan decidió usar un piano y un órgano en "Like a Rolling Stone". Kooper se ofrecería voluntario para tocar el órgano, y si bien Wilson dejó claro que Kooper no tenía experiencia en tocar el instrumento, al final le permitió participar en la grabación. Kooper se mostró tan incierto que tocó por detrás del ritmo para escuchar primero los cambios en éste. Tras grabar una toma completa, "se trasladaron a la cabina para oírlo de nuevo", diría Kooper. Durante la escucha, y tras ser de su agrado el resultado, Dylan preguntó a Wilson si podían subir el sonido del órgano en la mezcla.
Todo lo grabado el 15 de junio fue finalmente rechazado, aunque preparó el escenario para las siguientes sesiones. Dylan y su banda volvieron al estudio A el siguiente día. De forma virtual, la sesión al completo estuvo dedicada a "Like a Rolling Stone", con Kooper tocando de nuevo el órgano. La cuarta toma fue finalmente seleccionada como toma maestra, si bien Dylan y la banda volvieron a grabar once tomas nuevas antes de escuchar los resultados de la grabación en la cabina del estudio.

Si bien "Like a Rolling Stone" podía ser seleccionada como single, Dylan decidió al final incluirla en su próximo trabajo. Debido a la escasez de nuevo material, Dylan pasaría un mes en su nueva casa de Byrdcliffe, cerca de Nueva York, escribiendo nuevas canciones.
Cuatro días después del Newport Folk Festival, el 29 de julio de 1965, Dylan volvió al estudio A para reanudar el trabajo de su siguiente álbum. Apoyado por la misma banda que participó en las anteriores sesiones (el pianista Paul Griffin sería recluido para el resto de las grabaciones), Dylan encontró un problema al desligarse el productor Tom Wilson del trabajo en el álbum. De forma inmediata, fue reemplazado por el productor de Columbia Bob Johnston. Al llegar a las grabaciones de Highway 61 Revisited, Johnston llevó consigo a un nuevo ingeniero, Mike Figlio, quien previamente había trabajado en el tema "I Left My Heart in San Francisco", de Tony Bennett.



La primera sesión fue dedicada a tres canciones. Tras experimentar con distintos acordes y tempos, se produjeron tomas maestras de "Tombstone Blues", "It Takes a Lot To Laugh, It Takes a Lot To Cry" y "Positively 4th Street". "Tombstone Blues" e "It Takes a Lot To Laugh, It Takes a Lot To Cry" fueron incluidas en el álbum, mientras "Positively 4th Street" fue editada de forma exclusiva como single.
Al día siguiente, Dylan y su banda volvieron al estudio A para grabar otras tres canciones. Se produjo una toma maestra de "From a Buick 6", finalmente incluida en el álbum, aunque la mayor parte de la sesión de grabación fue dedicada a "Can You Please Crawl Out Your Window?". Dylan se mostró insatisfecho con los resultados, y descartó la canción para otro día; sería regrabada de forma eventual meses más tarde. Una toma alternativa procedente de las sesiones de Highway 61 Revisited fue publicada en single, llevando el título de "Positively 4th Street". De forma adicional, una toma alternativa de "From a Buick 6", con una introducción de harmónica, fue publicada accidentalmente en algunas ediciones en estéreo del álbum.
Durante los dos siguientes días, Dylan pasó cierto tiempo escribiendo las seis canciones restantes que conformarían el álbum, en cuya grabación el bajista Russ Savakus fue reemplazado por Harvey Brooks. El 2 de agosto de 1965, se llevó a cabo una nueva sesión de grabación en el estudio A, con Sam Lay en la batería. "Highway 61 Revisited", "Just Like Tom Thumb's Blues", "Queen Jane Approximately" y "Ballad of a Thin Man" fueron grabadas de forma satisfactoria, siendo seleccionadas tomas maestras para el álbum.



El 4 de agosto de 1965 se desarrolló la última sesión de grabación, nuevamente en el estudio A. Gran parte de la sesión fue dedicada a "Desolation Row", finalmente grabada con dos guitarras. Según Kooper y Johnston, el guitarrista Charlie McCoy se desplazó hasta Nueva York para acompañar a Dylan en el tema. Se grabaron siete tomas, con la seis y la siete fusionadas en una única toma maestra finalmente incluida en el álbum. Una toma de "Tombstone Blues" fue también grabada, pero no reemplazó a la toma maestra grabada en la sesión anterior.

Si hablamos de las letras, nos encontramos como que este periodo fue de acercamiento al surrealismo, al simbolismo y a la escritura automática, pero que no deja de tener el sello de todo lo que Dylan sabe y ha leído, porque el arma secreta para escribir así no es sólo el talento o la inteligencia, es también la cultura y el conocimiento. De este modo el artista dispone de materia prima sobre la que actuar, para manipular y convertir en algo nuevo. Y la capacidad de Dylan para construir personajes memorables (como el torturado y despistado Mr Jones de "Ballad Of A Thin Man"), descritos con cuatro definitivos trazos, convive con la manera de descontextualizar de un modo absolutamente expresivo a personajes reales, literarios o históricos, como Einstein, Ezra Pound, Ofelia (la de Hamlet), Romeo y Julieta y un innumerable etcétera en la absurda rondalla mejicana, "Desolation Row", que en realidad es un surrealista chiste privado de once minutos sobre el antisemitismo, la bomba atómica, el puritanismo y otras historias: puro Woody Allen antes de Woody Allen. O para hacer de "Highway 61" la parábola bíblica más surrealista y divertida de todos los tiempos ("Dios le dijo a Abraham: mata un hijo para mí/ y él le contestó: me tenes que estar jodiendo").

No pierdas mas tiempo, cliquea aqui y ponte a escucharlo.



Y si ellos lo dicen....
"Su manera de tocar es totalmente híbrida. Musicalmente no tiene sentido para el erudito. Cuando toca el piano, sólo tiene sentido para el que lo oye. Si fueras músico dirías: pero ¿qué estás haciendo? No tiene sentido. Y lo mismo cuando toca la guitarra. Haga lo que haga, es como si tuvieras que esperar un año o dos para coger el punto de poder escucharlo. La primera vez que lo oyes, es inútil. Después reflexionas y te das cuenta de que es perfecto." Eric Clapton

"Nada de folkie o poeta. Es la gran bestia del rock and roll." Chuck Berry

The Kinks

Hola! Veo que ultimamente mis posteos se hacen cada vez mas esporádicos pero bueno, tampoco nadie se queja, ja, continuemos con este primer disco de estos loquitos londinenses.

Para aquellos que sepan y aquellos que no les cuento que este disco no es el mejor de la banda, pero este album marco un terrorífico cambio en el Rock. A pesar de haber sido una banda muy popular en su época (60's) pero lo fue solo en Europa, extrañamente en el continente Americano no logro tal auge pero mas adelante intentaremos dar una ¿"pseudo-explicacion"? de este porqué, ojo, fue lo que encontré en esta bendita red.

Los Kinks tuvieron sus momentos en 1964 con el sencillo You really got me llegaron al número uno, (superando a los mismos Beatles con su A hard day's night), pero esa fama no perduró, o bueno, en los 60's antes de 1968 los Kinks habrán entrado en el top 10 de la popularidad, pero de los 70's para arriba (con excepciones), no llegaron a ser ni la mitad de famosos que los Beatles o los Rolling Stones, bandas que estan a la misma altura de calidad musical de los Kinks (se que va a dar para el debate pero es así).

Los Kinks es una de las bandas más variadas de todo el planeta, de las más grandes y versátiles con texturas de todo tipo en los 60's, 70's y 80's en la cual brindaron un gran legado al siglo XX. Hicieron pop, rock, baladas, música hindú, hard rock, heavy metal, brit- pop, country, music - hall, música de los 20's americana, disco, funk, dance, new - wave. También una de las más innovadoras de todos los tiempos. Simplemente, ¿A quién le debemos la primera guitarra distorsionada de la historia? el Hard rock? el pop con elementos musicales puramente británicos (brit- pop), la psicodelía (!!!!) a los Kinks, con See me friends, la primera canción psicodélica!! y de 1965 ya con eso es suficiente para decir que son grandes.
Pero la mayor virtud de los Kinks sin duda, es que estos tipos contaban con uno de los mejor compositores de música de la historia, Ray Davies, uno de los mejores creadores de melodías, texturas y arreglos musicales de todos los tiempos, a diferencia de los Beatles, en la cual los genios eran John, Paul y George, Ray hacía todo, es más, ÉL prácticamente es los Kinks. El hacía las letras, los conceptos, la música, los arreglos, la composición, el estructurado, las ideas, etc. Muchos dicen que los Kinks más bien es la carrera solista de Ray Davies y no esta muy fuera de la verdad (Aunque me gustaría escuchar a Mr. Davies sin la guitarra tremenda de su hermano Dave y sin el diabólico ritmo de Avory, el no es solamente los Kinks). Ray Davies tuvo en sus manos una GRAN CANTIDAD de canciones maravillosas.

Entonces uno se pregunta.... ¿Por qué los Kinks están tan escondidos? ¿Tan infravalorados? ¿Si merecen tener la misma popularidad que los Beatles? ¿ O acaso sus canciones no son igual de pegajosas, accesibles y con la misma calidad? Claro que lo son! Entonces??
Hay varias teorías del porque estan tan "escondidos". Unos dicen que el problema eran las letras, a nadie le gustaba la temática "cursi" de las letras cuando todo mundo estaba con la onda hippie de los 60's, bla bla bla. No creo que ese haya sido el motivo....simplemente....si en México hubieran transmitido sus canciones en la radio, los Kinks hubieran tenido éxito instantaneo ¿Por qué? Porque sus canciones son buenas y muy pegajosas y accesibles, y las letras ahí ya no importan (a muchos mexicanos les gustan los Beatles Y NI SABEN inglés) . Lo que pasa es que, faltó promoción, o cuando la hubo, el idiota de Ray Davies le pego un puñetazo a un americano (ahi por 1965) y a los Kinks se les prohibió ir a tocar a Estados Unidos, y por lo tanto, no fueron populares en E.E.U.U. y por lo tanto no lo fueron en Latinoamérica. En efecto, en Europa son mucho más conocidos que en América, todo por ese puñetazo, Ay Ray! Je je, en general faltó promoción, o carácter a los Kinks para divulgarse. Es lo que se dice, vio?

A diferencia de lo que se piensa en general, los Kinks no solo fueron "grandes" en los 60's, es cierto que ahi están sus dos mejores discos (Village green y Arthur), pero en los 70's hubo cosas bastante buenas, tanto que dudo si los 60's fueron mejores, en los 80's ya no fueron tan grandes, hubo más discos ordinarios que nada, pero también hubo buenos discos todavía como State of confusion y Word of mouth.

Luego de esta breve reseña historica ya nos introduciremos en el disco que nos compete:

El debut de los Kinks tiene "algo" que lo hace único y lo separa de los discos de aquella época (llamese Beatles, Rolling Stones, The Who). El debut de los Kinks es, quizá el primer disco que muestra como la música puede ser ruda, pesada, rabiosa, rockera. Las guitarras suenan duras, la batería suena poderosa, las voces suenan feroces, y este disco pasará a la historia de la música, porque cuenta con la primera guitarra distorsionada. Antes de 1964 no existía la más mínima idea de que la guitarra podía sonar pesada, sin embargo, hay algunos que dicen que los Kinks en su búsqueda de un sencillo original que tuviera éxito, se les ocurrió subir el volumen de los amplificadores al máximo que se creo la distorsión.

Pero esta historia suena muy hueca y vacia; en la edición de julio '08 de la Rolling Stone (argentina) se encuentra una nota a Ray Davies explicando lo sucedido: "Dave tuvo la idea de poner una aguja de coser a traves del parlante del pequeño y verde amplificador Elpico de 8 watts". Pero en otra nota Dave aclara que "solo queria torturar a mi amplificador. Siempre me daba el mismo sonido. No me habria importado que muriera en el acto, pero tenia ese sonido obsceno que amo". Se referia a que ese parlante Elpico fue cortado con una aguja de afeitar.

Sea de una manera u otra, la idea de que se podia desear mas distorsion para una guitarra era bastante revoluvionaria en la epoca; y cuando Dave tomo un simple riff de el blues de piano escrito por Ray y lo transformo en un gruñido de acordes, supieron que tenian algo nuevo bajo el sol. En la grabación del tema intervino también Jimmy Page, futuro guitarrista de Led Zeppelin, pero no tocó la guitarra, sino únicamente la pandereta.

Así que, con palabras ambiciosas, el debut de los Kinks es uno de los discos más revolucionarios de la historia, sin los Kinks, la idea de una guitarra distorsionada nunca se hubiera llevado a cabo, o Dios sabra como...

Para escuchar el disco, solo hagan click aqui

Una perlita, Van Halen interpretando "You really got me" en su disco debut.

Catch a Fire - Bob Marley and The Wailers

Despues de bastante tiempo vuelvo y esta vez hago un corte abrupto con el tipo de música que veníamos tratando; viajamos hasta la isla de Jamaica para encontrarnos con un músico de una gran influencia, ademas de la revolución que provocó en el mundo.

Comencemos con una breve reseña de este personaje: Robert Nesta Marley (nacido en Nine Miles, Saint Ann Parish, Jamaica el 6 de febrero de 1945), más conocido como Bob Marley, fue músico y miembro del movimiento Rastafari.

A finales de los años cincuenta, Bob se trasladó con su madre a Kingston, la capital, la cual era la ciudad donde los habitantes de las zonas rurales acudían para mejorar su situación económica. Por desgracia para la mayoría, su destino eran los barrios pobres.
Bob creció en ese ambiente donde conoció a un amigo llamado Neville O’Riley Livingston, más conocido como Bunny, con quien comenzó a interesarse por la música, llegando a componer y tocar algunas canciones. Muy influenciados ambos por las emisoras del sur de los Estados Unidos que conseguían captar con sus radios en las cuales escuchaban canciones de artistas como Ray Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton o Fats Domino, y también grupos como The Drifters muy populares en Jamaica.

En 1962 Bob Marley participó en una audición para un productor musical llamado Leslie Kong que, impresionado, lo invitó a un estudio para grabar algunas canciones. Al año siguiente Bob decidió que el mejor camino para alcanzar su sueño era mediante un grupo. Compartió su idea con Bunny y Peter Toshy los tres formaron los "Wailing Wailers". El nuevo grupo ganó la simpatía del percusionista rastafari Alvin Patterson, que los presento al productor Clement Dodd. A mediados de 1963 Dodd vio a los Wailing Wailers y decidió promocionar al grupo. Los Wailing Wailers lanzaron su primer single, "Simmer Down", con la discográfica Coxsone a finales de 1963. La formación original estaba compuesta por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite y dos coristas, Beverly Kelso y Cherry Smith.



Los Wailers conocieron entonces a un hombre que revolucionaría su trabajo: Lee Perry. La asociación entre Perry y los Wailers trajo consigo algunos de los éxitos más notables de la banda como "Soul Rebel", "Duppy Conqueror", "400 Years" y "Small Axe", clásicos del futuro reggae. En 1970, dos de los músicos más reconocidos de la isla, Aston 'Family Man' Barrett y su hermano Carlton (bajo y batería, respectivamente) se unirán a los Wailers, quienes por aquel entonces arrasaban en el Caribe, pero internacionalmente continuaban siendo desconocidos.


En la primavera de 1972 los Wailers aterrizaron en Inglaterra para promocionar el single "Reggae on Broadway", pero no cosecharon demasiados éxitos. A la desesperada, Bob visitó los estudios de grabación de Island Records, que había sido la primera discográfica en interesarse por la música jamaicana, y pidió hablar con su fundador, Chris Blackwell. Blackwell conocía a los Wailers y les ofreció 4 mil libras para grabar un álbum con los últimos avances tecnológicos de la industria musical, los mismos que gozaban las bandas de rock de la época. Ese primer álbum fue "Catch A Fire", fuertemente promovido por Island. El disco no fue un éxito inminente, y es que la música y las letras comprometidas socialmente de Bob contrastaban bastante con lo que se estaba haciendo hasta entonces en Europa. Island promovió una gira del grupo por Inglaterra y los Estados Unidos, otra novedad para una banda de reggae.



Catch a Fire sacudio al publico blanco del rock con la fuerza de una revelacion. En ese entonces los Wailers eran una verdadera banda, temas como "Stir it up", "Kinky reggae" se mecen como hamacas al sol de Jamaica. Chris Blackwell, el mandamas de Island, sobregrabo y remezclo sutilmente las sesiones jamaiquinas originales para adaptarlas a los oidos internacionales sin diluir la fuerza exotica y contundente de la banda.


* En el disco nos encontramos con guitarras totalmente versátiles, coros angelicales y una lírica cargada de mensajes de positivismo con un fuerte contenido social; letras en las cuales más de uno puede sentirse parte de una historia. Una historia en la que Bob Marley tiene el papel protagonico...El disco está coronado con una primer canción que podría ser considerada una de las mejores de la historia de la música, que se destaca por ese solo de guitarra tan pasional y una letra completamente visionaria."Concrete Jungle" en la cual los oyentes pasamos a ser participes de una realidad que nos aqueja y deja al descubierto la eterna pregunta de dónde podremos encontrar el amor viviendo en esta gran selva de concreto que nos rodea (donde vivir es más difícil de lo que debería ser).8 canciones más se van sucediendo... dentro de ellas, más de un par hablan acerca de la esclavitud y otro par nos devuelve el alma al cuerpo con su esencia de "positive vibration"."Stir it up" es un pedido de liberación mental... una invitación a tomarse las cosas con calma. Una canción que se erige en base a un bajo que toma el control de esta obra de principio a fin."Baby We've got a Date" y "Kinky Reggae" rozan la definicion de "canción de amor" (y sin recurrir a las cursilerias necesariamente).Finalmente, desde mi humilde lugar y sin mucho más que decir... si pudiera musicalizar la lectura elegiria "No More Trouble"... (what we need is love).Bob Marley and The Wailers, para todos aquellos que buscan trascender de su cuerpo para conectarse con las raices, el rock y el reggae...
















Para descargar el disco, del cual el muchacho muestra como le quedo armado un Apollo 13, cliquea aqui.





* N. de R.: el comentario tan lleno de pasion hacia el disco fue un aporte de http://lacieguitadelastratocaster.blogspot.com/ , buscando informacion del album me encontre con este blog y me gusto mucho la efusividad que manifesto.

London Calling - The Clash

Para finalizar con los maximos exponentes de la movida Punk de fines de los 70s, esta vez invocamos el nombre de The Clash. Oriunda de Londres como los Pistols, The Clash estuvo activa desde 1976 hasta 1986 pero a diferencia de la mayoría de las bandas punk que se caracterizaban por su simplicidad musical, incorporó reggae, rock, rockabilly, ska, jazz y dub entre otros variados estilos en su repertorio. Exhibieron una intencionalidad política en sus letras que con el tiempo se convertiría en su característica distintiva fundamental. El idealismo expresado en las composiciones de Joe Strummer y Mick Jones contrastó con el nihilismo de los Sex Pistols y la sencillez de Ramones, las otras bandas emblemas del punk en la época.



London Calling fue el tercer álbum de la banda y el que marcó su punto de inflexión comercial y musical, así como el que incorporó finalmente la estética punk a la mitología de la música. La crítica musical suele considerarlo como uno de los mejores álbumes de la historia del rock, de hecho la revista Rolling Stone lo calificó como el mejor de los años 1980 (porque el disco fue editado en EEUU en enero de 1980) y como el octavo mejor de la historia. El título del disco hace referencia a una frase usada en las emisiones de la BBC durante la Segunda Guerra Mundial ("This is London calling...", traducible al español como "Esto es Londres llamando").


Por otro lado, la portada del mismo, que muestra una fotografía de Paul Simonon rompiendo su bajo en The Palladium de Nueva York en 1979, ha sido usualmente reconocida como la imagen emblema del punk y, de hecho, la Revista Q la calificó como la mejor foto de la historia del rock. En un principio, ni Paul Simonon ni la fotógrafa Pennie Smith quisieron incluir la foto como portada, esta última arguyendo que no era una imagen técnicamente buena. Sin embargo, Strummer convenció a ambos para incluirla. La tipografía que se usó para escribir "London Calling" se basó en la usada para el álbum debut de Elvis Presley.

El disco fue grabado en agosto de 1979 en Londres y editado en diciembre, aunque en los Estados Unidos se editó en enero de 1980. Para la época de su lanzamiento, The Clash era una de las bandas punk más importantes pero su situación no era la mejor dado que estaban muy endeudados, sin mánager y en guerra abierta contra su discográfica, CBS Records. Durante la primavera y el verano europeos de 1979, Mick Jones y Joe Strummer compusieron la mayor parte de los temas del álbum en el departamento de la abuela de Jones, donde éste habitaba. Luego, la banda pasó tres meses ensayando los temas en un garaje de Londres y, finalmente, grabó el álbum doble en agosto de 1979 en los estudios Wessex. El disco fue producido por Guy Stevens, que murió poco después de su lanzamiento.

El contenido estilístico musical del álbum es muy variado incluyendo el punk lúgubre ("London Calling"), el blues ("Brand New Cadillac"), el ska ("Wrong 'em Boyo"), la música disco ("Lost in the Supermarket"), el reggae ("The Guns of Brixton") y el rockabilly ("Rudie Can't Fail").



En cuanto a las letras, el contenido político y la crítica social se encuentran presentes como en todos los materiales de la banda. Particularmente, las canciones que más claramente explicitan la temática política son "London Calling", "The Guns of Brixton" y "Spanish Bombs", esta última rindiendo homenaje a los revolucionarios y luchadores de la libertad que combatieron en la Guerra Civil Española y los efectos que tuvo ésta en Andalucía. Otros temas abordados en el álbum son la soledad consecuente al uso de las drogas ("Hateful"), el materialismo ("Lost in the Supermarket"), el fascismo ("Clampdown") y la vida de Montgomery Clift ("The Right Profile").



En un principio, el ultimo tema "Train in Vain" iba a ser lanzado como flexi disc en la revista NME y no incluido en London Calling pero Mick Jones, autor del mismo, decidió a último momento que se incluyera en el álbum porque lo consideraba "demasiado bueno como para lanzarlo en NME". El resultado de esta adición tardía fue que "Train in Vain" no fue nombrado en la contratapa y los fanáticos de Clash lo rebautizaron como "Stand by Me" por su estribillo. Cuando el sencillo de la canción llegó al top 30 en los Estados Unidos, se reeditó el álbum con el nombre apropiado que se ha utilizado en todas las ediciones posteriores, aunque incluyendo en algunas ocasiones "Stand by Me" entre paréntesis para evitar confusiones.

El álbum doble fue vendido en el mercado al precio de uno gracias a una movida de la banda para engañar a su discográfica. El grupo le solicitó a los ejecutivos de CBS la inclusión gratuita de un sencillo junto a su supuesto único disco, ante lo cual su compañía no mostró reparos. Sin embargo, el sencillo fue grabado como un LP y vendido en las condiciones erróneamente pactadas. Este acto del grupo fue otra de sus demostraciones en pro de sus fanáticos y en contra de sus propios intereses.

Para bajar este excelente disco de estos inadaptados sociales hagan click HERE

Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols - The Sex Pistols

Finalmente como les habia prometido, cruzamos el Atlantico y llegamos a nuestro proximo destino: Gran Bretaña. Tomamos el rio Támesis por asalto y desembarcamos directamente en la ciudad de Londres; es muy importante señalar la importancia del porque no nombramos al pais sino al Reino, ya que el sistema de gobierno importa y mucho en este posteo, a su vez, me tomare el atrevimiento de contarles casi toda la historia de esta banda, ya que solo editaron un solo disco, y fue suficiente para continuar la revolucion que estaban causando los Ramones en Estados Unidos con el punk.

Continuando con este movimiento, podemos decir que no solo nacio en New York con los Ramones, sino que tambien emergio desde el fondo de Chelsea con los Sex Pistols pero con otros tintes.

El núcleo inicial de los Sex Pistols surgió a partir de la banda The Strands, formada en 1972 con Steve Jones como vocalista, Paul Cook en batería. Ambos solían pasar mucho tiempo en el Kings Road, en la zona de Chelsea, Londres. Un local que visitaban muy a menudo era la tienda de ropa "Let It Rock" (luego conocida como SEX) cuyo dueño era Malcom McLaren. Durante esos años, The Strands solía actuar con diversos nombres y tocar un rock elemental muy influenciado por los New York Dolls.
Poco tiempo después, Steve y Paul acudieron a McLaren para que les recomendase un bajista, ante lo cual no dudó en presentarles a su empleado Glenn Matlock. En varias oportunidades le pidieron a Malcom que hiciese las veces de representante pero él insistía en que jamás lo haría...

En 1975, McLaren abandonó Inglaterra y viajó a los Estados Unidos donde hizo el trabajo de representante de los New York Dolls durante dos semanas antes de que estos se separasen. Durante su estancia en el país vio a The Ramones en vivo pero lo que más lo impactó fue Richard Hell (en ese momento bajista y vocalista de Television), por su ropa destrozada y pelo corto y revuelto. McLaren encontró en su imagen caótica y desaliñada exactamente algo que había estado buscando y le sugirió a Richard que viajara con él de vuelta a Inglaterra para formar una banda allí, pero él no aceptó su oferta. Al separase los New York Dolls Malcom volvió a repetir una oferta similar, esta vez al guitarrista Sylvain Sylvain. Básicamente en la conversación le dijo que "conocía a unos chicos que rondaban por su tienda y estarían muy interesados en formar una banda con él". Una vez más, su oferta fue rechazada. Entonces volvió entonces a Inglaterra llevándose consigo la guitarra de Sylvain (la famosa Gibson con el dibujo de una chica semidesnuda) y con una idea. A su vuelta les aseguró a Paul, Steve y Glenn que sería su representante. El grupo cambió entonces su nombre a The Swankers.



Durante estos años, John Lydon, que luego sería conocido como Johnny Rotten, solía rondar por Kings Road con su amigo Sid Vicious, usando el pelo teñido de verde y una remera de Pink Floyd sobre la cual había escrito las palabras "I Hate" (en español "yo odio"). Creyendo que su imagen y su actitud eran las indicadas para la banda, McLaren, Jones y Cook se acercaron a Johnny y le ofrecieron ser el vocalista de su nuevo grupo. Regresaron junto a el a la tienda SEX y le pidieron que cantara junto al jukebox y Johnny cantó la canción "I'm Eighteen" de Alice Cooper con el estilo arrogante y psicótico que siempre lo caracterizó. Sin embargo, años después en el documental "Blood on the turntable de la BBC". Según la versión de McLaren fue Vivienne Westwood la que le dijo que "debía conseguir a aquel chico John que rondaba por la tienda" y una vez reclutado Johnny Rotten le dijo que se había equivocado de persona ya que ella se refería al otro John, el amigo de Rotten. Aquel otro John al que se refería era John Simon Ritchie, mejor conocido como Sid Vicious. Según esta teoría Sid siempre habría estado en mente de Vivienne para formar parte en la banda y sólo habría sido esta confusión lo que retrasó el hecho de que se uniera.


Poco después, la banda cambió su nombre a Sex Pistols y comenzaron a buscar a otro guitarrista para que se sumase a Steve. Tal era la influencia de los New York Dolls en ellos que publicaron un aviso en el fanzine Melody Maker que leía "Se busca guitarrista no mayor de 20 años, que no se vea peor que Johnny Thunders" pero igualmente no prospero en lo absoluto.

La fama de los Sex Pistols aumentó el 4 de Junio de 1976. En un show mítico ante 42 personas en el Lesser Free Trade Hall en Manchester (Inglaterra) se encontraban entre el público futuros miembros de Buzzcocks, Anthony H. Wilson (fundador de Factory Records, primer sello rave), Bernard Sumner, Ian Curtis y Peter Hook (formarían Joy Division), Adam Ant, Morrissey (formaría The Smiths), y Mick Hucknall (formaría Simply Red).

En octubre de ese año, la editora EMI los contrató por 40.000 libras, la cifra más alta pagada hasta entonces a un grupo desconocido.

El primer sencillo del grupo, "Anarchy in the UK", entró en las listas de éxitos, pero el grupo fue expulsado del sello por la polémica creada tras haber hecho declaraciones provocativas en lenguaje obsceno durante el programa de televisión de Bill Grundy, lo que finalmente aumentaría su fama por el exceso de atención de los periódicos en una sociedad fácil de ofender. A finales de 1977 apareció el decisivo LP Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols (Nos importa unos cojones, aquí están los Sex Pistols). A pesar de que Sid Vicious llegó a tocar en el disco, posteriores regrabaciones por Steve Jones hacen imposible distinguir lo que sea que haya tocado Sid. El disco fue censurado y las autoridades obligaron a tachar la palabra "bollocks" ("cojones") de la portada. Acciones legales fueron emprendidas en contra de los Sex Pistols por el uso ofensivo de esta palabra pero los Pistols salieron victoriosos. A pesar de todo, alcanzó el número dos de las listas.

Con un pago de 50.000 libras el grupo fichó por A&M Records; firmaron el contrato en un tenderete instalado frente al Buckingham Palace, ya que su nuevo tema se llamaba "God Save the Queen" ("Dios salve a la reina"). Su sencillo de 1977 fue calificado como un ataque a la Corona y al nacionalismo británicos. Ante las protestas, puesto que la canción injuriaba a la monarquía británica, fueron despedidos e indemnizados otra vez.

Un dato curioso es que ese año el puesto número 1 del ranking quedaría vacío, ya que ninguna radio quería pasar el tema por miedo a las protestas de la gente. Además el disco no podía ser editado por boicot y protestas de los fabricantes de discos que se negaban a tomar parte en "semejante signo de decadencia de la sociedad".



En ese mismo año, Glen Matlock fue echado de los Sex Pistols debido a un "problema de actitud" (por darle un nombre sutil) y sustituido por Sid Vicious, viejo amigo de Johnny Rotten, fan de la banda y, con anterioridad, baterista de Siouxsie & the Banshees y The Flowers of Romance pero no sabia tocar el bajo... pero bueno, asi es el punk, una cuestion de actitud.

La Virgin Records los contrató para lanzar definitivamente "God Save the Queen". Durante los siguientes meses el grupo fue noticia por sus constantes altercados. "Pretty Vacant", el tercer sencillo, fue número seis en las listas.
Armaron una gira (El Anarchy Tour) y fue programado con la participación de The Damned, The Clash y The Heartbreakers (con Johnny Thunders, ex-New York Dolls). Debido a las censuras y al miedo a la represión, casi todos los clubes les prohibieron tocar, realizándose aproximadamente 3 fechas de las 30 programadas originalmente.
Durante su primera gira europea, los Sex Pistols tuvieron que cambiarse el nombre a menudo para evitar la violencia que se producía a su paso (escogieron como nombre The SPOTS, acrónimo de Sex Pistols On Tour Secretly). Cuenta la leyenda urbana que fue Sid el que invento el "pogo", pero no es como el de ahora....en los videos veran que la audiencia se agarragan de los pelos, se pegaban....POGO ERA EL DE ANTES SEÑORA!!! ajajaj

Otra gran fuente de polemica fue que al encontrarse con la prohibición de tocar en suelo británico decidieran tocar en agua. El hecho fatídico fue programado en la semana del Jubilee de la Reina, y los Pistols alquilaron un bote y tocaron en vivo siguiendo la fiesta por el río Támesis.

Iniciaron una gira por Estados Unidos, aunque nunca tocaron en el CBGB, se especializaron más bien en clubes de gente que pudiera verse mas ofendida por su contenido. Esta gira desembocó en la separación del grupo en una ultima fecha en San Francisco, California.

Rotten se fue del grupo y más tarde sería visto en el CBGB con una camiseta que ellos vendían en la que se leía "Yo sobreviví al Tour de los Sex Pistols" bajo lo cual había escrito, con rotulador, "Pero el grupo no".
McLaren decidió que no necesitaba a Rotten para seguir con el grupo y posteriormente se editaron varios álbumes de recopilación pero fue en vano.

Tras la disolución, Johnny Rotten formó el grupo Public Image Limited y Sid Vicious se fue a New York donde intento hacer una carrera solista aunque llevó una vida demasiado caótica, entre el uso de drogas y el descontrol emocional. En octubre de 1978, su novia Nancy Spungen fue hallada muerta en el Hotel Chelsea y Sid fue detenido, acusado del crimen. Murió mientras se hallaba en libertad condicional y provisional a causa de una sobredosis de heroína el 2 de febrero de 1979.

En 1996, en pleno resurgimiento comercial del punk con grupos como The Offspring y Green Day, los Sex Pistols se volvían a reunir para realizar una gira y posterior disco, con el bajista y compositor original de la banda Glen Matlock. La gira, bautizada como Filthy Lucre Live (Gira por el lucro indecente), buscaba sólo sacar dinero: «si inventamos esto hace casi veinte años y ahora hay tantas bandas ganando dinero a costa de nosotros, lo mínimo es que pasemos la gorra».
En 2006 fueron elevados al Salón de la Fama del Rock and Roll junto a Blondie, Black Sabbath y Miles Davis, aunque ellos despreciaron la invitación.


Si por alguna razon los inquieta saber que hacen estos partorcitos de Belen, cliqueen aqui asi escucharan sus dulces melodias (si les pide el usuario es "upload by sugusrojo")

RAMONES 1976- Ramones

En un principio, este post iba a cruzar el Atlantico y desembarcar directamente en Inglaterra, pero en un email me pidieron (en broma o no, pero seguramente con desconocimiento) que publique sobre la musica Punk.

El Punk fue todo un quiebre en el rock, rompio con todos los esquemas de aquella epoca, en tiempos donde el Hard Rock y el Rock Sinfonico predominaba (dos grandes ejemplos son Led Zeppelin y Pink Floyd), temas muy largos y lleno de solos.

El punk comenzo a dibujar sus primeros trazos por medio de bandas como New York Dolls, MC5 o The Stooges, pero la estocada "final" o mejor dicho el "principio" de todo lo darian los RAMONES...

Corria el año 1974, en la localidad de New York, partido de Queens, mas exactamente en el barrio de Forrest Hills (el codigo postal no lo pude encontrar, je), Estados Unidos. John Cummings, Jeffry Hyman, Douglas Glenn Colvin y Tamás Erdélyi (que en adelante seran nombrados como "Johnny Ramone", "Joey Ramone", "Dee Dee Ramone" y "Tommy Ramone" respectivamente). Se conocieron debido a su fanatismo por los Stooges (banda liderada por Iggy Pop). El nombre surgio por el apellido (Ramone) que usaba Paul McCartney para registrarse en los hoteles asi evitar a fans y a periodistas.

Originalmente la formacion fue: Dee Dee (Voces y Bajo), Johnny (Guitarra), Joey (Bateria) y Tommy (Manager). Como ninguno tenia el virtuosismo en su instrumento de la epoca (para no decir tan tajantemente ¡"no sabian tocar"!) optaron por tocar en sentido contrario que las bandas anteriormente mencionandas: rapido, furioso, intenso, sin solos y con suerte sus temas llegaban a los increibles ¡¡2 minutos!!. Estos fueron los factores que serían característicos en la escena punk neoyorquina.

Con el tiempo, Dee Dee se comenzo a sentírse incómodo tocando y cantando al mismo tiempo. Entonces la nueva formación y la mas conocida fue:

- Johnny en guitarra

- Dee Dee en bajo

- Joey en voz

- Tommy en batería

Músicalmente, los Ramones mezclaban diferentes corrientes. Por un lado, utilizaban bases del power-pop y, por el otro, se apoyaban en el glitter rock y la música surf. De ahí nace el típico sonido Ramones. Las letras de sus composiciones trataban temas triviales de la vida sugiriendo soluciones simples a determinadas frustraciones.

Con el sonido redondeado, los temas listos y las gastadas camperas de cuero que fueron a lo largo del tiempo su marca estética, la banda tocó por primera vez en el CBGB de Nueva York, lugar que por entonces era el sitio de reunión del naciente movimiento punk. La primera actuación de Los Ramones resultó casi funesta, pero no hizo demasiada mella en los cuatro integrantes de Queens. Su primer show fue el 16 de agosto de 1974 ante media docena de personas donde tocaron un acelerado set de veinte temas en 17 minutos. Luego de eso, el dueño del lugar, Hilly Cristal, les dijo "no le van a gustar a nadie, pero los espero de vuelta".

Entre el 2 y el 19 de febrero de 1976, y con 6.400 dólares de gastos, grabaron de su primer álbum, al que llamaron simplemente Ramones. La encargada de grabarlo fue Sire Records, una pequeña discográfica desconocida hasta el momento, y el productor fue Craig Leon. Cuando el disco salió a la venta, se los acusó de ser una ofensa nacional por sus letras, su fachada y la velocidad con la que tocaban.

En el disco se aprecian influencias de grupos de la conocida como "British Invasion" (grupos ingleses que triunfaron en EEUU en los ´60, The Rolling Stones, The Beatles, The Kinks....) en general, The Velvet Underground, The Stooges y grupos de pop chicle de principios de los ´60 (The Ronettes, The Shirelles...).
Las canciones son producto de la rebeldía juvenil y el marginamiento que la banda sufría, y están inspiradas en porno, surf, y películas de miedo de Serie B.

Los ramones crearon una música rápida, distorsionada, violenta, pero dulce por las influencias del pop chicle.

Aún en 1976, un empresario inglés contrató a los Ramones y los llevó a su país para tocar en el Roundhouse de Londres. A lo largo de las tres funciones que ofrecieron (la primera fue el 4 de julio) un público ávido de música diferente al popular rock progresivo de la época los ovacionó. Entre ese gentío, se encontraban (colados) quienes más tarde se convertirían en la otra rama importante de la primera ola del punk: Johnny Rotten, Sid Vicious, Joe Strummer, Paul Simonon, Captain Sensible, Dave Vanian y Paul Cook, integrantes Sex Pistols, The Clash y The Damned, además de Malcolm McLaren, mánager de los Sex Pistols.



A pesar de haber sido una gran influencia para los grupos punk ingleses, la formación de los grupos más importantes (Sex Pistols, The Damned y The Clash), contrariamente a lo que dice la leyenda, fue anterior a dicho recital, pero esa ya esa otra historia...
Tambien su influencia se puede percibir hasta The Offspring, Green Day, Rancid, Sonic Youth y Nirvana.


"Blitzkrieg Bop" (Tommy Ramone) – 2:14
"Beat on the Brat" (Joey Ramone) – 2:31
"Judy is a Punk" (Joey Ramone, Dee Dee Ramone) – 1:32
"I Wanna Be Your Boyfriend" (Tommy Ramone) – 2:24
"Chain Saw" (Joey Ramone) – 1:56
"Now I Wanna Sniff Some Glue" (Dee Dee Ramone) – 1:35
"I Don't Wanna Go Down to the Basement" (Dee Dee Ramone, Johnny Ramone) – 2:38
"Loudmouth" (Dee Dee Ramone, Johnny Ramone) – 2:14
"Havana Affair" (Dee Dee Ramone, Johnny Ramone) – 1:56
"Listen to My Heart" (Ramones) – 1:58
"53rd & 3rd" (Dee Dee Ramone) – 2:21
"Let's Dance" (Jim Lee) – 1:51
"I Don't Wanna Walk Around With You" (Dee Dee Ramone) – 1:42
"Today Your Love, Tomorrow the World" (Ramones) – 2:12

Como siempre, lo pueden bajar desde aca

Thriller - Michael Jackson

Para sorpresa de quienes me conocen, no me asocian con este tipo de musica ni de artista, pero es menester publicar este disco por obvias razones.

El album es el mas vendido de la historia de la musica! oficialmente vendió más de 27 millones de copias tan solo en los Estados Unidos y se calcula que en la actualidad lleva vendidas más de 114 millones de copias en todo el mundo según el Libro Guinness de los récords.



Thriller es el sexto álbum del cantante Michael Jackson como solista, tras su larga etapa como integrante de la famosa banda familiar, los Jackson Five.


El album se convirtió en un fenómeno social en todo el mundo. Promocionó su disco con videoclips como "Billie Jean" o "Thriller" que se convirtieron en símbolos de la época. Sus coreografías impactantes y polémicas presagiaban un prometedor futuro para él. El concepto de videoclip musical, tal y como lo es hoy en día, se puede decir que lo creo él. El clip de "Thriller" es como un cortometraje de cine, pero musical. Nunca nadie había realizado un vídeo semejante, tanto en duración (más de 13 minutos), como en costes, como en calidad.





Publicado por Epic Records el 1 de diciembre de 1982, como el álbum anterior reclutó a Quincy Jones como productor y Rod Temperton como uno de los principales compositores.
Quincy Jones, músico de larguísima experiencia que ya había colaborado con Frank Sinatra, supo pulir el talento de Michael, quien también despuntaba como compositor y letrista. Jones creó para Michael un sonido excepcional, en cuanto a estilo y técnicamente, fundiendo los ritmos negros (Rock, Hard rock, R&B, Soul, Funk y Disco) con la última tecnología en instrumentos así como efectos de sonido.

El disco comienza con el "Wanna Be Startin' Somethin'", un tema positivo con el que ha abierto una gran parte de los multitudinarios conciertos que ha hecho por todo el mundo. En el álbum aparece un dueto que realizó con Paul McCartney en "The Girl is Mine".

Michael, pese a su juventud, ya se había ganado el respeto de Paul. Michael siempre ha sido un admirador de McCartney y de la música de los Beatles; es más un artista que no se prodiga en las versiones, ya los versionaba en el final de la película "Moonwalker" con "Come together", que posteriormente fue incluido como uno de los cortes del "History". De todas formas, esa amistad duraría hasta aquel día en que el "rey del pop" adquirió por más de 300 millones de dólares, los derechos de casi la totalidad de las canciones de The Beatles en el catálogo "Northern Songs"; el valor de estos derechos se puede comparar al de los cuadros de Picasso o Van Gogh, por eso aún hoy en día existe polémica respecto a ellos.

"Thriller", el tema que da nombre al álbum, es junto al "Beat it", uno de los temas más rockeros del disco, y su clip musical ha pasado a la historia como el padre de los vídeos musicales. Entre los puntos más altos del disco está "Billie Jean", seguramente la mejor y más famosa canción de Jackson. Se hizo famosa gracias al conocido "paso lunar" de Michael caminando hacia atrás que aún sigue practicando en sus conciertos."Human nature", es un tema no tan conocido como los anteriores, pero un fantástico tema pop, que pone la guinda a uno de los mejores álbumes jamás realizado.

El álbum consiguió también 58 discos de platino, dos de uranio y 8 Premios Grammy (superando el record de 6 grammys en 1983 que marcó Toto con Toto IV), siendo el primero en alcanzar esta marca y hoy día solo igualada por Carlos Santana con Supernatural.

Para descargar el disco completo pero el del 25 aniversario, con bonus y remasterizado, pues clikea aqui coño!

Beach Boys - Pet Sounds

La música de los Beach Boys, desde que se formaron a principios de la década de 1960, era muy melódica y destacaba por sus armonías vocales, sello del grupo. Sin embargo, conmovido por la gran riqueza de las composicíones de John Lennon y Paul McCartney, Brian Wilson quiso dar un paso adelante y hacer un disco personal y arriesgado.
Una autentica obra magna salida de la mente de un genio, que cansado de seguir por las pautas comerciales que le imponía su casa discográfica decide crear un Lp que sea la obra mayor de un grupo o artista del momento. Fue así como, junto al músico y publicista Tony Asher, comenzó a componer temas para un álbum que rompería con todo lo que había hecho antes el grupo. Incluso consideró la posibilidad de editar el disco solista.

Pet Sounds es un álbum de los Beach Boys, compuesto casi en su totalidad por su líder, Brian Wilson. Por ello, se trata de un álbum muy personal, intimista y cuya propuesta era totalmente contraria a la música que el grupo hacía hasta entonces, una mezcla de rock and roll y música surf.
El disco incorpora músicos profesionales ya que los Beach Boys restantes estaban de giro pero, asi y todo, contribuirían poco en la instrumentación, para concentrarse en el trabajo vocal. Por primera vez, Wilson se sentía satisfecho con su trabajo. No obtuvo el éxito al que el grupo estaba acostumbrado (fue su primer gran fracaso comercial), pero sí una obra artística que, según el propio Paul McCartney, "es el mejor disco vocal jamás grabado" y sirvió de inspiración para el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), obra cumbre de los Beatles.

Los arreglos están cuidados hasta el mas mínimo detalle, las melodías son bellas, complejas y con ciertos aires cinematográficos. Brian Wilson había creado un autentico hito en el mundo del disco, con este disco se demostró que la música pop podía ser tan compleja como la música sinfónica, Brian Wilson no había creado un disco, había creado una Obra de Arte....

El comienzo del álbum con "Wouldn't It Be Nice" es una entrada en el paraíso, una melodía alegre acompañada por unas voces como siempre espléndidas; fué uno de los temas editados en single y con bastante éxito (numero 8 en la Billboard).

"You Still Believe In Me" es una soberbia balada con acompañamiento barroco y unos arreglos corales que ponen ciertamente la piel de gallina, Brian incluyó el sonido de un timbre de una bicicleta en medio de la marabunta de saxos, percusiones y teclados. "That's Not Me" fluye en medio de unas complejas combinaciones de bajo, órgano y percusión.
"Don't Talk (Put Your Head On My Shoulder)" es uno de los momentos mas introspectivos y mas desgarradores del disco; un tema donde Brian canta con pasión y mimo; los arreglos de percusión y la subida de violines al final del tema es antológica. "I'm Waiting For The Day" comienza con una potente percusión acompañada de un efectivo juego de órganos, canción llena de cambios y francamente trepidante, flautas, violines y unos increibles coros redondean la canción. "Let's Go Away For A While" es una de las mejores instrumentales que se han construido en el mundo del pop, para este tema Brian Wilson utilizó doce violines, piano, cuatro saxos, un oboe, dos bajos, percusión y una guitarra con una botella de Coca-Cola en las cuerdas para conseguir el sonido de bottleneck.

"Sloop John B." es con diferencia el tema mas comercial del disco, la canción (un tema tradicional de folk) fué arreglada con maestría por Brian, convirtiéndose en uno de los temas mas populares de la banda (numero 3 en las listas de Billboard).

"God Only Knows" son palabras mayores, una de las mejores canciones del siglo XX. Esta joya, cantada con una extrema belleza por Carl Wilson, es una melodía celestial arropada por instrumentos de cuerda, oboe, campanas y clavicordios; los arreglos vocales son de lo mejor que se ha oído nunca, con un climax final donde Brian Wilson, Bruce Johnston (con una voz sumamente dulce) y Carl Wilson hacen una de las mas bonitas sucesiones de voces que se hallan podido escuchar. "I Know There's An Answer" iba a titularse inicialmente "Hang On To Your Ego", pero la letra le pareció una apología de las drogas a Mike Love y obligó a cambiar letra y titulo a Brian, que al final claudicó; es otra canción con complejos arreglos y con unos juegos de teclados en primer plano. "Here Today" está cantada por Mike y en este tema queda claramente demostrada la maestría de Brian en la mesa de mezclas, cambios repentinos de rítmo, órganos combinados, el bajo, paradas en seco del tempo, una autentica gozada.
"I Just Wasn't Made For These Times" nos muestra por primera vez la utilización del Theremin en la música rock (un instrumento creador de sonidos muy agudos y muy utilizados en las peliculas de terror de series B).

El tema que titula el disco, "Pet Sounds", es otra bella pieza instrumental con Brian utilizando dos latas vacías de Coca-Cola como método de percusión. El disco finaliza con la emotiva "Caroline No", un bello canto dedicado a la perdida de la inocencia. Ahh! Por cierto, los perros que se oyen al final del disco eran Banana y Louie, los perros de Brian.
Baladas, folk y coqueteos leves con el rock and roll, todo con armonías vocales, Pet Sounds ha crecido con el tiempo para convertirse en uno de los mejores álbumes de todos los tiempos y, a la vez, uno de los más influyentes.

Si te intereso el disco y te gustaria escucharlo, lo podes descargar haciendo click aqui

Innervisions - Stevie Wonder

Buscando en el diccionario la palabra "clásico" encontramos varias definiciones pero haremos incapie en las siguientes:

- que se tiene por modelo digno de imitación en cualquier manifestación artística.

- de tradición culta, por oposición a la ligera o moderna.

- por su importancia o valor, ha entrado a formar parte de la historia.

Decidí que mi primer post sea este excelente disco de Stevie Wonder porque no quería caer en los discos mas populares e ir a lo seguro (aunque con el correr de mis posts llegarán jejeje); este gran músico que a pesar de su ceguera, es uno de los artistas contemporáneos mas influyentes de las ultimas 4 décadas. Pero como todos saben, en la música, ser negro significa tener un plus...

Nacido el 13 de Mayo de 1950 en Michigan pero cumplidos los 4 años se mudaron a Detroit, capital del sonido MOTOWN que lo marco de por vida. A la tierna edad de 9 años, edad a la que ya tocaba varios instrumentos, firmó su primer contrato discográfico, grabando un disco de versiones de su gran ídolo, Ray Charles para Motown.

Tres años después sacó un disco, The 12 year old genius, que fue el primer número 1 de la mítica compañía y cuyo título, “el genio de 12 años”, lejos de ser pertencioso, se limitaba a reflejar una realidad. Una realidad que fue creciendo con el paso de los años, años en los que Stevie Wonder aprendió a tocar más instrumentos, perfeccionó su estilo, bebiendo de fuentes tan dispares como el R&B, el rock, el jazz, el funky o los ritmos africanos para, finalmente, crear un sonido propio e inimitable, a la altura de los grandes genios de la música clásica.

“Innervisions” es el disco de estudio número 14 de Stevie Wonder. En realidad el tercer disco desde que estableció en el conocimiento musical popular, que él se trata de un maestro del estilo y un excelente arreglador. Este disco se publica en Agosto del año 1973 luego de un increíble y exitoso “Music Of My Mind” donde dejó claro que su alma desbordaba de creatividad y que solo se trataba de EL comienzo.

Musicalmente la filosofía basada en el amor se desenvuelve en 9 hermosas canciones profundas y técnicamente impresionantes, fusionando el realismo social con idealismo espiritual. Stevie tocó casi todos los instrumentos grabados pero básicamente la instrumentación utilizada en la grabación se centra en el órgano y su juego con sintetizadores creando un irresistible funk que tus pies no podran evitar ir a tempo.

Los hits que surgieron de esta obra maestra fueron “Higher Ground” y “Living for The City”, además de “Golden Lady” y “Jesus Children Of América”.

Con “Innervisions” Stevie Wonder demuestra una vez más que es una de las fuerzas vitales de la música contemporánea. Es miembro del Rock & Roll Hall of Fame desde 1989, Stevie Wonder es, sin lugar a dudas, un genio legendario de nuestros días.

Si quieres descargar el disco presiona aqui

Bienvenidos!

Haremos todo un repaso por los albumes clasicos de todos los tiempos y, a su vez, abordaremos distintos generos tratando de que ninguno quede afuera. Saludos cordiales.